展示展览24平订做 时尚品牌能否将展览带入艺术殿堂，能否带来跨界重塑

先是《安娜苏的艺术世界》亮相艺仓美术馆，再是《 Dior: The Dream 设计》闪耀龙美术馆西岸馆——近几个月，时尚界品牌与艺术馆相互辉映，光芒万丈，近年两人的联姻也正在形成一道迷人的风景线。

“ Dior：设计梦想大师”展览在上海举办

时尚 品牌举办的展会走红，破坏艺术性？作为美术馆和博物馆，为时尚品牌提供场地是自贬？这些可能只是偏见

时尚转瞬即逝，艺术趋于永恒；时尚迎合市场，艺术重在自我。事实上，艺术与时尚之间似乎存在鸿沟。然而，它们在相互竞争的同时，也在相互渗透：艺术越来越时尚，而时尚在艺术的驱动下也在进一步变化。今天，我们需要关心的不是时尚与艺术能否共存，而是这种共生应该如何带来双赢和值得期待的新可能。

去年复星艺术中心举办的“蒂芙尼180年创新艺术与钻石珍品展”展览再现了电影《蒂芙尼的早餐》的经典场景

在艺术殿堂里看到时尚品牌主题展览的情况并不少见。这样的展览越来越注重将品牌置于艺术的“包装”之下，润物细无声地赢得观众对其品牌价值的认同

国内观众在艺术殿堂遇见时尚品牌主题展的记忆可以追溯到十多年前。 2008年，“菲拉格慕——不朽传奇”展览参观上海当代艺术博物馆。 2009年，故宫博物院迎来“卡地亚珍品艺术展”。 2011年，在中国国家博物馆举办的“宝格丽——意大利经典125年艺术展”和上海当代艺术博物馆的“香奈儿文化”展同样精彩纷呈，让很多人望而却步。印象深刻。近三四年来，这类展览层出不穷，形成了一股热潮。仅在上海，宜仓美术馆就举办了“HELLO! MY NAME IS PAUL SMITH”和“Anna Sui的艺术世界”，复星艺术中心举办了“蒂芙尼180年创新艺术与钻石珍品展”、“对话：浪凡130” “年”，上海当代艺术博物馆先后举办爱马仕“仙境漫步”、欧米茄“她的时光”女表百年展……

去年“对话：浪凡130年”展览在复星艺术中心举办

值得关注的是，时尚品牌主题展逐渐呈现出一种趋势：从过去，越来越简单一、直奔品牌历史，输出品牌价值，到越来越受到关注的碰撞用艺术，努力探索艺术能给品牌带来哪些新的可能。也就是说，这样的展览其实是把品牌置于一个更艺术的“包装”之下，而悄悄地赢得了观众对其品牌价值的认可。

不少时尚品牌在主题展中利用其“代表色”背后的艺术张力，加深大众对品牌色彩的艺术联想。 2017年在艺仓美术馆举办的“HELLO! MY NAME IS PAUL SMITH”展览利用美丽的粉色空间，构建了一个充满创意、灵感、匠心和美感的艺术世界。奢侈品牌 Paul Smith 钟爱的表达方式。不久前，同样登陆该馆的展览《安娜苏的艺术世界》，利用安娜苏品牌标志性的大型高饱和度紫色加入波普艺术元素，给观众带来强烈的视觉冲击。

“安娜苏的艺术世界”展览不久前在艺仓美术馆举办

众多奢侈品牌参加主题展非常注重艺术策展，将自身的品牌内涵、文化与当代艺术相结合，为品牌延伸出独特的意义空间。 2018年在上海展览中心举办的路易威登“飞行、航行、旅行”展览就是一个例子。很多人都知道，路易威登品牌的核心是“生活本身就是一段旅程”。随着19世纪科技的发展极大地扩大了人们的出行半径，路易威登的业务也受到了这一趋势的推动。与此契合，本次展览以旅行为主题，呈现路易威登在不同历史时期不同风格的设计，冒险精神贯穿其中。带着不同年龄的旅行者探索未知的渴望。 15个章节呈现舞台美学的戏剧场景，给予观众丰富的艺术想象。展品中，中国艺术家丁乙的定制图案是他标志性的“十字架”和“米”图案，美国艺术家辛迪·谢尔曼的定制色来自他的宠物鹦鹉的盒子上海展厅，无一不呈现艺术。与时尚的交叉。

“ Dior：设计梦想大师”展览正在龙美术馆西岸举办

Dior 在上海举办过不少于四五次的品牌主题展览。 《 Dior：设计梦想大师》在龙美术馆西岸馆展出，尤其让人感受到艺术对时尚的赋能。一方面，这种赋能来自于迪奥与八位中国知名艺术家的共同努力，在有限的空间内实现品牌精神与当代艺术创作的共鸣，极大地丰富了时尚的艺术内涵设计。例如，高伟刚在本次展览中带来了由层层木头和镜子组成的金字塔形作品《她》搭建。这件作品的造型像一瓶香水，又像一件长裙，搭配查理兹塞隆曾经穿的经典连衣裙，迪奥真我香水的美感渗入了这片金色华丽的空间。林天苗的“阶梯”系列作品展示展览24平订做，通过聚脲、丝线和钢筋的缠绕，以丰富立体的方式呈现迪奥工坊“造梦”的过程。艺术家一贯​​的女性关怀情怀也与Dior品牌产生了跨越时代的共鸣，Dior的服饰展现了女性的优雅之美。赋能的另一个方面是，展览重点展示了各个品牌带来的全新艺术灵感设计导演：Marc Boon的端庄优雅、John 的夸张大胆、Ralph Simon的简约实用、Maria 的自然优雅凯瑞……品牌定位共性中的艺术个性和创意一目了然。

在奢侈品行业，营销越是讲故事、提供梦想、销售灵感、创造和传达激情。在这个过程中，艺术所蕴含的动力是无穷的。

Prada荣宅李青个展“后窗”

时尚品牌也热衷于举办去品牌化的艺术展览。深入而纯粹的艺术实践，可以赋予品牌更丰富的象征价值，将时尚提升为更高层次的艺术。

时尚品牌走进艺术展厅，他们的“野心”远不止举办品牌主题展。他们越来越多地跳出品牌和产品，跨越时尚的界限，让自己成为艺术的源泉。看似与品牌的关联性较弱，但更深入、更纯粹的艺术实践，或许可以赋予品牌更丰富的象征价值，将时尚提升为更高层次的艺术。

以品牌优势为支点，撬开一个更广阔、更震撼的艺术故事，这种发展的影响力不言而喻。去年，宝格丽()在成都博物馆举办了《蛇的传说》展览，2017年，巴黎尚美()在故宫博物院举办了《尚之意琼花——始于十八世纪的珍宝艺术展》。代表，这样的展览是品牌和落地博物馆的联合策划。上届展览跨越东西方文化，跨越五千年，以蛇龙形象汇聚了来自中国、意大利、法国、英国、美国、日本、葡萄牙等国的180多件珍品，展示设计 的美丽和创造力。后面的展览汇集了300多件珠宝，美得让人无法移开视线。除了18世纪末到21世纪初的珍品，还有更多来自卢浮宫、枫丹白露宫、贡比涅皇宫国家博物馆等包括维多利亚和阿尔伯特博物馆在内的全球17家顶级博物馆，部分展品首次走出国门展示展览24平订做，甚至首次公开亮相。

品牌的跨界艺术展有时简直就是为品牌文化注入新活力的一种方式。我们来看看Gucci带给上海的一系列尝试——2015年，Gucci在上海民生美术馆举办了“Has/Not yet”展览，以创意总监的哲学思维为命题，探索“什么是2018 年，Gucci 携手意大利知名艺术家 在余德耀美术馆带来了“艺术家的存在”展览，以 30 多位国际艺术家的作品探索复制的创意，以及原创性如何本身可以通过繁殖来繁殖。长久生存——其实创造这样的话题本身，不就是品牌的一种宣传方式吗？为明珠美术馆揭幕的“阅读之旅：《路易威登游记》艺术展”并没有看到路易威登的标志性包包，而是打开了一个关于品牌鲜为人知的跨界的页面。路易威登是世界上唯一拥有自己出版社的奢侈品牌集团。 《路易威登游记》是2013年开始的出版计划之一，邀请艺术家到世界各地探索艺术驻留和创作。本次展览以驻留创作的近300件原创美术作品，带领观众以艺术家的眼光环游世界，体验多元文化的魅力。

路易威登基金会

甚至有些品牌的艺术展览似乎已经完全去品牌化了。这不得不说，很多奢侈品牌都建立了艺术基金会，通过赞助为艺术的发展提供动力。 2018年，卡地亚当代艺术基金会在上海当代艺术博物馆举办了“陌生的风景”展览，从其1500多件藏品中精心挑选了近100件/组的标志性艺术品。该基金会成立于 1984 年，旨在发掘不为人知的年轻艺术家，向公众展示多元化和丰富的当代艺术收藏。早在1990年代，中国艺术家蔡国强和黄永平就在该基金会的推荐下进入了欧洲艺术圈和公众视野。去年威尼斯建筑双年展金狮奖得主、日本建筑师石上纯也现身上海当代艺术馆，是中国首个个展“自由建筑”，背后的推动力是卡地亚当代艺术基础。此类基金会的运作越来越成熟，时尚品牌的根基也在艺术的土壤中不断蔓延。以普拉达基金会为例，除了普拉达夫妇担任主席外，还有艺术总监、策展人团体，以及一批由学者和历史学家组成的委员会。可以说，这样的基础已经接近成熟。博物馆语义下的策展机构。

深入艺术界的各种品牌化实践已经超越了品牌自身的宣传目的，而是创造了一种话语，在艺术与时尚，甚至艺术与消费之间建立了一种新的情感联系。正如路易威登集团董事长所说：“艺术推动品味；品味推动消费。”

古驰博物馆

不要让艺术馆变成只有感官刺激的时装秀。艺术博物馆和博物馆与时尚品牌联姻。需要的是碰撞融合，重塑重生，而不是相互挤压和蚕食

时尚品牌与艺术馆的联姻，代表着相互认可。他们的牵手足以带来星光的前景。

对于美术馆和博物馆来说，吸引力是相当的人气和不菲的收入。国际大牌都有自己超强的“带货”能力，这促使品牌粉丝“顺便”进入艺术展厅。早在2013年，迎来“迪奥精神”展览的上海当代艺术博物馆，就在两个月内创造了艺术展览界22万人次的奇迹。世界上最著名的设计博物馆——维多利亚和阿尔伯特博物馆，历史上最受欢迎的展览排行榜前两名，也是品牌展览，2019年吸引了近60万人次参观。” Dior：大师of 设计”和“ : Wild ”，在 2015 年吸引了近 500,000 名观众。

对于时尚品牌来说，好处更加明显。除了艺术馆所赋予的文化附加值外，还包括通过展览叙事和沉浸式体验与观众的情感联系——这是一种亲民的获取粉丝的方式。毕竟看奢侈品牌展览的成本，比买奢侈品牌的手袋或成衣要容易得多。而普通观众参与后分享的观看体验，也可以成为不可小觑的社交媒体上的免费展台搭建。

但值得注意的是，时尚品牌与艺术展厅的携手并进，不仅要迎合大众口味，更要追求利润最大化。一些美术馆、博物馆的品牌展一味输出品牌理念，受限于肤浅的感官刺激，将观众视为与艺术对话的“消费者”而非“欣赏者”，失去了艺术内涵。这样的展览很可能会满足大众的好奇心和摆拍心理，吸引力也只是一次性的。更重要的是，品牌直接租用艺术馆场地进行发布会，将艺术馆和博物馆变成了品牌秀场。这种情况与其说是“艺术与时尚之舞”，倒不如说是“时尚对艺术空间的占领”。当艺术馆成为大量商业活动的聚集地，当展览内容随着展览形式而变化，与艺术追求和文化目的脱节时，美术馆和博物馆的艺术形象必然受到损害，他们的社会功能也会受到影响。会逐渐溶解。

艺术殿堂与时尚品牌携手共创双赢，主导方其实是美术馆和博物馆。其中，策展可以作为重要的一环，通过思想学术的策展，发挥专业艺术机构的引导作用，调动艺术的力量。去年夏天，卡地亚在故宫博物院举办的“超越界限：卡地亚·故宫工艺与修复特展”就是一个惊人的案例。本次展览是卡地亚与故宫博物院的第三次合作。双方在制表技艺的探索中激发灵感，使合作不断突破原有界限。最终，将故宫午门的三座全部拍了下来展厅，共800多件展品的规模宏大，讲述了东西方在历史、艺术、工艺、两个世纪的人文瑰宝，展现了对跨文化手工艺和艺术创意的极致追求。

靠近美术馆、博物馆和时尚品牌也可能是一种自我追求竞争力的策略。比如上海当代艺术博物馆，时尚系列展已经成为其在跨界艺术领域的领先尝试，从而形成了自己的品牌认知。在这座美术馆与不同世界级品牌合作的众多展览中，人们不仅可以领略到最前卫的时尚潮流，还可以领略到具有深厚底蕴的时尚文化。与这一系列展览相匹配的还有“时尚学院”的一系列公益教育活动，打破了围绕相关展览的局面，形成了一种常态。许多讲座和研讨会的主题，例如时尚策展、可持续时尚，甚至都非常前沿。

菲拉格慕博物馆

美术馆、博物馆和时尚品牌之间的合作步伐可能会更慢、更谨慎。在保证内容的艺术性的基础上追求共同利益，从而实现自身与品牌的双赢。只有这样，才能真正实现时尚与艺术的碰撞与融合，重塑新生活，而不是相互挤压和蚕食。 （范鑫、齐鑫源）